Le rythme, c’est quoi ?

Le rythme, c’est, selon le Petit Robert :  » Répartition des sons musicaux dans le temps, du point de vue de l’intensité et de la durée. »

Ainsi, vous voyez qu’il s’agit de ce que le compositeur a prévu pour chacune des notes écrites sur la partition. Les blanches, les noires, les croches, etc.

Ces notes sont organisées dans des mesures, la plus part du temps, ce qui permet de s’y retrouver, sur le plan visuel et sonore.

Exemple : une valse est écrite en mesures à 3 temps, cela se voit sur la partition, et cela s’entend.

Et la pulsation, alors, qu’est-ce que c’est ?

La pulsation, c’est tout simplement un battement régulier.

Les sites qui donnent une définition du mot Pulsation donnent cette définition, sans autre explication.

Il y a juste un hic : la pulsation n’est pas toujours régulière ! Tout dépend de l’écriture de la partition.

Exemple : Blue Rondo à la Turk de Dave Brubeck. Dans ce morceau, les pulsations ne sont pas toutes identiques : d’abord 3 pulsations égales, puis 1 pulsation qui dure 1,5 la pulsation précédente. Cela, pendant 3 mesures, donc 3 cycles de 4 pulsations. Ensuite, 1 mesure avec 3 pulsations égales à la pulsation la plus longue (des mesures précédentes).

Pour les initiés : 3 mesures avec (noire, noire, noire, noire pointée) puis 1 mesure avec 3 noires pointées.

Les compositeurs sont libres de varier la durée des pulsations au cours des morceaux. Et ils en font bon usage !

Comment bien caler le rythme sur les pulsations ?

C’est ça, la vraie question !

Il est important de comprendre que la pulsation vient de l’intérieur de votre corps, comme nous l’avons déjà évoqué dans d’autres articles.

Une fois le travail de compréhension de la pulsation bien réalisé, il sera plus simple de caler les rythmes écrits par le compositeur, au bon endroit et au bon moment.

Comment Silence peut aider à jouer en rythme ?

Silence, que ce soit avec son application mobile ou avec le métronome physique, montrent en silence où sont les pulsations.

Pas d’élément sonore externe qui viendrait perturber le ressenti intérieur.

Vous pouvez alors comprendre et ressentir, et caler votre rythme à l’intérieur des pulsations, tout en surveillant si votre tempo ne bouge pas. Il vous suffit de voir la baguette osciller, même sans la fixer des yeux. Votre vision périphérique sert à ça.

Est-ce différent de jouer en mesure ?

Jouer en mesure, c’est jouer les bons rythmes, en étant bien calé sur les pulsations.

C’est donc assez proche de Jouer en rythme. Les deux expressions s’utilisent.

Nous avons d’ailleurs déjà écrit plusieurs articles sur le sujet :

Jouer en mesure
Faut-il vraiment jouer en mesure ?
Ressentir avant de jouer

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Vous pouvez devenir testeur de l’application Silence. Cliquer ici : JE VEUX DEVENIR TESTEUR DE L’APPLICATION MOBILE SILENCE

Retrouvez les conseils pédagogiques de Christine Jeandroz, l’inventrice de Silence, sur son site web

Je vais t’éclairer sur le sujet.

1 – C’est quoi, jouer en mesure ?

Jouer en mesure, c’est respecter les indications du compositeur ou de la compositrice.

Je suis aussi compositrice, je vais parler au féminin, ça change !

Lorsqu’une compositrice écrit une pièce, elle indique un type de mesure : 2/4, 5/8, etc, qui va donner la structure rythmique générale, et elle écrit des notes qui ont des rythmes précis. Par exemple, des blanches, des noires, des triolets, etc.

Respecter ces indications avec précision est très important, car c’est ce qui va donner une vie stable à la composition.

C’est donc la première chose à respecter : le rythme. Jouer en mesure est la base.

2 – La pulsation est-elle vivante ou fixe ?

La pulsation, c’est le terme qu’on utilise en musique pour parler de la vie intrinsèque d’un morceau.

Si tu écoutes par exemple une valse, tu vas entendre que les pulsations vont par 3/ Une valse est en effet à 3 temps.

Une fois que tu as compris ce qu’est une pulsation, il y a plusieurs conceptions de la gestion de la pulsation.

• Dans une composition basée presque exclusivement sur le rythme : un rock, une toccata comme celle de Katchaturian, ou encore la Variation 1 dans le 3ème mouvement de la Sonate de Dutilleux (cf image), où le compositeur a indiqué « Molto ritmico », la pulsation va être très régulière, elle va peu évoluer.
• Dans une composition plus expressive, comme par exemple un prélude de Chopin, elle va être plus mobile. C’est très subtil, mais c’est ce qui va permettre toute la beauté de l’écriture de se développer.
• Dans tous les cas, on joue à la fois « en mesure » et « libre ». Car, même si la pulsation est très calée, très régulière, elle peut en même temps être fluide, vivante. C’est un travail subtil de haut niveau, et cela qui va donner une interprétation unique à chaque interprète.

3 – Et le tempo ? Il change ou non ?

Le tempo, c’est-à-dire le nombre de pulsation par minutes, autrement appelé BPM, va varier de façon subtile, plus ou moins, selon l’écriture de la composition et selon les choix de l’interprète.

Tu ne trouveras aucune version de grands musiciens, qui observerait un tempo immuable du début de la partition à la fin. Que ce soit dans le rock, la variété, le classique, le romantique, le contemporain, tous les styles !

Et c’est normal !

4 – Mais alors, comment travailler ?

Dans un premier temps, je conseille de « mettre les choses en place ». Jouer en mesure, c’est l’étape 1, obligatoire.

Une pulsation fluide et vivante qui se baserait sur une mise en place aléatoire ou faible, ce n’est pas être libre, c’est être à côté.

Deux objectifs sont importants dans ton travail :

• Réussir à jouer en mesure sans varier la vitesse de la pulsation. C’est important, car ça ne doit pas être tes doigts qui accélèrent ou ralentissent malgré toi, mais un choix d’interprétation qui fait varier ou non la vitesse du tempo.
• Te laisser guider par les élans de la musique. Ne fais pas cette étape avant la précédente. Le résultat serait une instabilité notoire.

5 – Faut-il mettre le métronome ?

Ma réponse est clairement non, car il est pratiquement impossible de jouer d’une façon musicale en même temps qu’un métronome sonore.

Seuls les musiciens de très haut niveau, qui ont entièrement résolu leurs problèmes de rythme, peuvent réussir cette performance. Mais alors, ils n’ont pas besoin de le faire, en fait !

Si ce n’est pas ton cas, je te conseille, en attendant la livraison de ton métronome silencieux Silence, je te conseille de plutôt utiliser d’autres solutions pour caler ta rythmique.

Tu peux me consulter, je suis habilitée à faire travailler tous les instruments de l’orchestre et je me ferai un plaisir de t’aider sur ce sujet.

Pour pré-commander ton métronome Silence, laisse ton adresse mail et un message à l’équipe.

1 – Le métronome pour les nuls : le métronome sonore est là pour t’indiquer la vitesse d’un morceau

Je l’ai déjà évoqué avec précision dans un précédent article, mais en pédagogie on ne se répète jamais trop !:

Le métronome a été inventé par un horloger.

Il sert à indiquer avec précision la vitesse qu’un compositeur souhaite pour sa musique.

C’EST TOUT !

2 – Le métronome sonore est une machine parfaite

Et toi, tu es un être humain.

Tu es imparfait et c’est très bien. Tu n’es pas un robot !

Tu n’as pas à devenir aussi parfait qu’une machine, quelle qu’elle soit.

Donc, si tu as du mal à jouer en mesure, à être stable, essaie plutôt de ressentir ta pulsation, de travailler sur ton corps, ton imaginaire, ton écoute, bref tout sauf essayer de te caler avec cette foutue machine !

Pour cela, tu peux faire appel à un professeur de musique, un spécialiste du solfège, suivre une formation en ligne, il y a de multiples solutions à ta disposition.

Tu peux aussi écouter le podcast « Musicienne et libre« , certains épisodes traitent de ce sujet.

3 – Silence est silencieux et c’est le 1er métronome pédagogique

En effet, il a été créé par une musicienne, compositrice, pianiste, pédagogue avec 48 ans d’expérience. Oui, j’ai écrit cet article et je suis l’inventrice de Silence.

C’est la première fois qu’un métronome a été conçu comme un outil pédagogique.

Le principe est le même que si tu avais un chef d’orchestre : tu le vois, mais tu ne l’entends pas.

Tu te cales au mieux mais avec une tolérance à l’imperfection, qui te permet de progresser.

Le métronome pour les nuls… cette expression populaire, je l’ai choisie, et pourtant tu verras que même si tu as l’impression d’être nul en rythme, tu verras qu’il n’en est rien !

C’est tout ce que je voulais te dire

Alors, la prochaine fois que tu sens que tu as besoin d’améliorer ton rythme, fais ces 2 choses :

• Viens me demander conseil en me contactant ici ou sur Instagram
• Inscris-toi sur les précommandes de Silence
• Pour aller plus loin, tu peux aussi lire cet article : Andras Schiff parle du métronome

Article rédigé par Christine Jeandroz

Le métronome sonore est un instrument de mesure

Il n’a pas été conçu pour que tu joues en même temps que lui, mais pour te montrer une vitesse précise.

C’est ainsi que tu peux savoir la vitesse que le compositeur a souhaité pour un morceau que tu commences à travailler.

Utiliser le métronome pour les débutants, en leur demandant de jouer en même temps, s’il est sonore, est une grosse erreur pédagogique, surtout pour des débutants qui ont du mal à jouer naturellement en mesure.

Le métronome sonore est une machine parfaite

Aucun débutant, dans aucune discipline, ne peut rivaliser avec une machine, qui, par nature, est parfaite.

Nier cela, c’est nier la nature même de l’humain : son imperfection.

Alors, si tu sens que tu as du mal à jouer en mesure, à être stable rythmiquement, et que ton prof exige de toi que tu joues avec un métronome sonore, montre-lui cet article, parle avec lui de cette difficulté.

Le métronome pour les débutants ne devrait jamais être sonore et doit être visible aussi facilement que la baguette du chef d’orchestre : par ta vision périphérique

En revanche, Silence, le métronome silencieux, te guide en douceur

Et oui, Silence, lui, a été conçu pour que tu joues en même temps que lui.

Tu vois sa baguette, qui oscille, et tu fais de ton mieux pour jouer sur sa vitesse.

Si tu n’es pas parfait-e dans ton jeu, ce n’est pas grave, et c’est même normal ! Puisque tu es débutant-e, tu ne peux pas tout de suite être irréprochable, non ?

Tu pourras, peu à peu, prendre confiance et ajuster ton jeu pour être au plus près du tempo, sans pour autant jouer comme une machine à écrire.

C’est encore très différent d’un métronome qui émet une petite lumière avec une led rouge; Tu ne sais jamais QUAND la lumière va s’allumer, et si tu la quittes des yeux pour regarder ta partition, c’est foutu !

Alors que la baguette de Silence se voit par ta vision périphérique. Un peu comme quand un musicien à l’orchestre voit le chef tout en regardant sa partition;

C’est la première fois qu’existe le métronome pour les débutants.

Il a obtenu un brevet d’invention en juillet 2024. Grande fierté pour moi, qui en suis l’inventrice et pour l’équipe qui est à mes côtés pour le développer.

Tu vas pouvoir bientôt faire partie de l’aventure

En effet, Silence est presque prêt et la période des précommandes va bientôt commencer.

Alors, pour faire partie des premiers musiciens à profiter des bienfaits de ce 1er métronome conçu comme un outil pédagogique, contacte-moi pour être inscrit-e sur la liste d’attente.

Comment ça fonctionne ?

• tu es inscrit-e à la liste d’attente
• dès le lancement de la campagne de précommandes, tu es invité-e
• tu participes si tu le souhaites
• tu passes ta commande et tu règles au prix privilégié
• à la date de livraison prévue, tu reçois ton métronome Silence
• tu peux faire partie des ambassadeurs de la marque
• tu es prioritaire sur les événements de lancement qui auront lieu en France

Tu veux plus de conseils pédagogiques comme Le métronome pour les débutants ?

Suis-moi sur les réseaux ou sur mon site internet christinejeandroz.com

Christine Jeandroz,

inventrice de Silence, professeure de piano et mentore musique

Fais-le uniquement si tu es bien ancré dans la pulsation, que tu es stable rythmiquement.

1 – Comment utiliser un métronome ?

Tout d’abord, laisse-moi te rappeler que tu ne dois pas utiliser de métronome sonore en même temps que tu joues, si tu as des problèmes rythmiques, de stabilité de tempo et de ressenti de la pulsation.

Lis à ce sujet mon article précédent.

Si tu n’as pas ces difficultés, et que tu es un musicien de haut niveau, il y a certains exercices amusants que tu peux faire avec ton métronome sonore, en attendant la sortie de Silence, qui sera ton meilleur allié.

2 – Une série d’exercices de haute voltige pour pimenter ton entraînement quotidien

Que tu sois violoniste, saxophoniste, pianiste, peu importe.

Tu es de haut niveau et tu t’ennuies un peu dans ton entraînement ?

Voici de quoi pimenter tes séances et comment utiliser un métronome sonore de façon amusante.

3 – Vérifie ta connaissance de ton morceau

• Choisis un passage que tu sais par cœur
• Mets ton métronome dans un tempo beaucoup plus lent que ce que tu joues d’habitude. Par exemple, si le tempo est à 120, mets ton métronome à 40
• Commence à contre-temps. Le métronome va faire son bruit au milieu de chaque temps
• Joue par coeur
• Quand des notes tenues ou des silences pointent leur nez, c’est là que c’est marrant ! Lâche bien tes notes précisément au moment où le silence commence.

L’intérêt de cet exercice est de vérifier ta connaissance précise de ce que tu joues. Et c’est amusant.

4 – Accélère un passage rapide

• Choisis un passage qui doit aller vite
• Mets ton métronome légèrement moins vite que le tempo final. Par exemple, pour un tempo final à 120, mets-le à 80
• Joue « normalement » une première fois
• Recommence, mais en faisant en sorte que ton métronome soit sur la moitié du temps (à contre-temps)
• Recommence, mais cette fois le métronome tombe sur le second quart (si tu es en binaire) ou le 2d tiers (si tu es en ternaire)
• Idem, en décalant encore, cette fois sur le 4ème quart ou le 3ème tiers
• Tu as du mal à comprendre cet exercice , Contacte-moi je te guiderai. Tu peux aussi venir me parler sur Instagram.

5 – Stabilise le tempo d’un mouvement lent

• Règle ton métronome au tempo normal de ton morceau lent
• Joue 4 mesures avec le métronome, puis arrêt-le ou demande à une personne de l’arrêter
• Joue les 4 mesures suivantes sans le métronome
• Remets le métronome et écoute si tu avais changé de tempo ou non, en rejouant ces 4 mesures avec lui

Cet exercice sera super simple à faire avec Silence, lorsqu’il sera commercialisé. Il te suffira de fermer les yeux ou de lui tourner le dos puis de rouvrir les yeux pour vérifier si tu es toujours calé avec lui.

Conclusion

Je déconseille toujours formellement d’utiliser un métronome sonore pour travailler son instrument, mais comme tu le vois, si tu as un très bon niveau et aucun problème de rythme, tu peux t’amuser avec ton métronome actuel.

Varier ton travail t’apportera beaucoup, car ton cerveau a besoin de changement.

Au plaisir de te parelr,

Christine Jeandroz, professeure de piano et créatrice de Silence, le métronome silencieux

Photo N&B Copyright Martin Cheyrouze

1 – Une invention d’horlogerie

C’est en 1812 que tout commence.

J’ai déjà fait un article précédent sur l’histoire du métronome.

Aujourd’hui, je veux plutôt revenir sur les usages du métronome, celui qui était prévu au départ et les évolutions, voire les dérives. À quoi sert un métronome, aujourd’hui, et est-ce bien normal de s’en servir ainsi ?

Lorsque le métronome a été créé, c’était en tant qu’instrument de mesure.

En effet, les compositeurs étaient désireux de transmettre avec plus de précision le tempo auquel ils souhaitaient que les interprètes jouent leurs compositions.

Jusque-là, ils indiquaient Allegro, Andante, Largo, Moderato, etc. Ce qui restait assez vague.

2 – Transmettre un tempo

À partir de cette invention, le métronome mécanique qui émet un bruit très sonore, les compositeurs ont la possibilité de noter sur leur partition, un chiffre qui va de 50 à 160. Par exemple, si on indique « croche = 60 », cela veut dire qu’il y aura 60 croches dans une minute.

2 siècles plus tard, à l’autre bout du monde, un interprète ouvre la partition, voit l’indication et voici ce qu’il devrait faire, s’il garde en tête à quoi sert un métronome :

• mettre son métronome en marche à 60
• lire la partition en synchronisant les croches sur cette vitesse
• arrêter le métronome
• commencer à jouer la partition à cette vitesse
• vérifier de temps à autre en refaisant les 3 premières étapes

C’est cela et uniquement cela, qui était prévu à la base.

Car n’oublie pas que c’est un horloger qui a créé le métronome, pas un musicien, et encore moins un professeur ou pédagogue.

3 – Le détournement de l’usage prévu

Bizarrement, un jour, je cherche toujours quand cela a commencé, les musiciens se sont mis à jouer en même temps que le métronome.

Ce n’était pas très grave, en soi, mais là où cela commence à poser un problème, c’est lorsque les professeurs ont commencé à imposer à leurs élèves qui avaient du mal à être stables rythmiquement, de jouer en même temps que le métronome.

C’est une très très mauvaise idée, car 60 fois par minutes, cette machine va rappeler à l’élève qu’il est imparfait.

Or, l’imperfection, non seulement est normale au début de l’apprentissage, mais encore est l’essence de l’humanité.

Mon conseil de pédagogue : souviens-toi toujours à quoi sert un métronome.

4 – Pourquoi vouloir jouer métronomiquement ?

De plus, quel est l’intérêt de jouer métronomiquement ?

Aucun !

C’est nier à quoi sert un métronome.

Fais l’expérience :

• met en lecture un disque par exemple uns sonate de Chopin, ou même la chanson Sledghammer de Peter Gabriel, dans son album So
• repère la vitesse du début
• règle le métronome à cette vitesse
• démarre le métronome en le calant sur un temps
• observe ce qui se passe : la musique va vote être décalée par rapport au métronome

Est-ce que Martha Arguerich, le batteur de Peter Gabriel, Khatia Buniatishvili, Gustavo Dudamel, sont des mauvais musiciens ?

Non, évidemment ! Ils jouent et leur musique vit. Leur pulsation est fluide, vivante. Leur tempo varie légèrement au cours du morceau;

5 – Un bel article à lire

Je te conseille la lecture d’un article sur le métronome, écrit par Benjamin Righetti : Happy birthday, Mr Metronome !

Conclusion

Le métronome sonore a été inventé dans un but précis : transmettre la volonté de tempo du compositeur, aux interprètes.

Ne le détourne pas de son but initial.

Si tu as du mal avec la stabilité rythmique, Silence, le nouveau métronome, le 1er métronome conçu comme outil pédagogique, arrive bientôt.

Article rédigé par Christine Jeandroz, professeure de piano

Pour te positionner sur la liste d’attente pour les précommandes, contacte-nous

Sommaire

#1 Définition

Le rythme en musique est la répartition dans le temps des éléments sonores et silencieux. Il permet de donner de la pulsation à une composition musicale et de définir son tempo. C’est est un élément fondamental de la musique, il est présent dans tous les styles musicaux et donne tout son caractère à la composition musicale.

Il permet également de structurer la composition, afin que l’auditeur se repère et puisse la comprendre plus facilement.

#2 Importance dans la musique

Le rythme est un élément clé pour créer une mélodie entraînante et pour donner de l’énergie à une chanson. Il peut également aider à créer une atmosphère particulière dans une composition. Il peut également être utilisé pour souligner certains éléments de la mélodie, tels que les paroles d’une chanson.

Il est également utilisé pour créer des contrastes dans une composition. On utilise alors des rythmes différents pour les différentes sections d’une chanson.

Dans certaines compositions, comme les concertos avec orchestre ou les opéras, quelques passages sont, en apparence du moins, sans structure rythmique. ils laissent l’interprète beaucoup plus libres de leurs choix. C’est le cas de la Cadence dans les concertos, ou du Récitatif dans les opéras. Le récitatif précède la plupart du temps, l’air.

#3 Les différents types de rythme en musique

Il existe de nombreux types de rythme en musique, chacun ayant des caractéristiques distinctes.

Les plus courants sont les rythmes suivants :

• simple est celui où les temps forts et les temps faibles sont répartis de manière égale
• composé est celui où les temps forts et les temps faibles sont répartis de manière irrégulière
• syncopé est celui où les temps forts sont déplacés sur des temps qui normalement seraient des temps faibles
• polyrythmique est celui où plusieurs rythmes différents sont utilisés simultanément

#4 Utilisations

Les différents types de rythme peuvent être utilisés de différentes manières en fonction du style musical et de l’effet recherché. Par exemple, un rythme simple peut être utilisé pour créer une mélodie entraînante et facile à retenir, tandis qu’un rythme syncopé peut être utilisé pour créer une sensation de surprise ou de désorientation.

De même, un rythme polyrythmique peut être utilisé pour créer une sensation de complexité ou de richesse rythmique. Certaines compositions tirent tout leur caractère le leur structure rythmique, comme par exemple la Toccata de Katchaturian.

En résumé, le rythme est un élément fondamental de la musique qui permet de donner de la pulsation, de créer une atmosphère et de souligner certains éléments de la mélodie. Il existe de nombreux types de rythme, chacun ayant des caractéristiques distinctes et peut être utilisé de différentes manières en fonction du style musical et de l’effet recherché.

#5 Comment battre la mesure ?

Pour battre la mesure, il est important de comprendre la structure rythmique de la musique sur laquelle vous jouez. Cela signifie savoir quelles notes ou accords tombent sur les temps forts et les temps faibles de la mesure.

Une fois que vous avez compris la structure rythmique de la musique, vous pouvez utiliser vos mains ou un instrument pour marquer la mesure en frappant ou en jouant des notes sur les temps forts. Il est important de rester à l’écoute de l’ensemble de la pièce et de s’adapter si nécessaire en cas de variations rythmiques.

Pour les mesures composées, qui comportent des pulsations irrégulières, Silence s’avère un outil précieux, car il peut jouer des pulsations différentes les unes des autres, et vous n’avez plus qu’à suivre l’oscillation de sa baguette au fil de la partition.

Vous avez des questions ? Contactez-nous.

Jouer en mesure, c’est quoi ?

C’est respecter les signes que le compositeur a notés sur du papier musique.

Il a indiqué :

• des notes, donc des hauteurs de son
• des rythmes, donc des durées
• des nuances, donc des volumes sonores ou des intentions musicales
• des tempi (pluriel de tempo) donc des vitesses générales
• et beaucoup d’autres détails, comme les accents, les articulations, etc

#1 Parlons du tempo

Le compositeur indique sur la partition, par exemple : noire = 60.

Cela signifie qu’il y aura 60 noires par minute, C’est-à-dire que la pulsation, ce battement qui se ressent lorsqu’on écoute la musique, est à la même vitesse que les secondes. C’est une vitesse de référence, qu’il n’est pas nécessaire de conserver tout au long du morceau.

#2 C’est juste une indication.

Avant l’invention du métronome mécanique, en 1812, les indications de tempo n’étaient pas métronomiques, mais exprimées avec des termes comme Largo, Allegro, Presto, etc.

C’était beaucoup plus flou, mais à la fois plus musical et plus juste, puisque, pour le même morceau, le tempo ne peut pas être le même selon la salle dans laquelle les musiciens se trouvent.

#3 Il faut laisser le temps au son de vibrer, de se développer

Dans la musique de variété, de rock, la chanson, il y a souvent de la batterie, et la pulsation est assez facile à capter et à suivre lorsqu’on écoute. On peut avoir l’impression que le batteur joue de façon ultra-régulière, alors que ce n’est pas toujours le cas.

Si vous tentez l’expérience de caler un métronome au début d’un titre avec de grands batteurs tels que Manu Katché, par exemple dans Sledgehammer de Peter Gabriel, sur l’album So, vous serez surpris de voir que le tempo change en permanence, même si c’est évidemment très subtil.

La pulsation est somme toute assez fluide, souple, vivante. Le titre commence à 95 BPM (Battements par Minute). Au cours du morceau, le tempo passe de 95 à parfois 98 BPM, en passant par 96, 97.

Qu’est-ce que cela montre ? Que les musiciens ne jouent pas « au clic« , c’est-à-dire qu’ils n’ont pas un métronome collé dans l’oreille.Peut-on dire qu’ils ne jouent pas en mesure ? Bien sûr que non.

Le tempo d’une musique, c’est sa force vitale, et il est bon qu’elle soit dynamique.

Jouer en mesure, c’est respecter les intentions du compositeur. Mais le musicien n’est pas une machine. Jouer avec liberté n’est pas une erreur, c’est un devoir.

Christine Jeandroz, fondatrice

#4 Faut-il caler toutes les notes par rapport au métronome ?

Dans le chapitre précédent, nous avons parlé du tempo, c’est-à-dire la vitesse des pulsations.

Maintenant, parlons des phrases musicales dans des pièces plus mélodiques. Faut-il que les notes écrites sur les temps soient toutes jouées exactement sur la pulsation ?

La réponse est multiple :

Oui, pour des compositions telles que la Toccata pour piano de Khachaturian. C’est une composition dans laquelle le rythme est prépondérant et il est important d’avoir une exactitude rythmique, même si le tempo, lui, peut varier au cours de la partition.

Non, pour des compositions dans lesquelles c’est l’expression qui domine.

Par exemple, le 1er impromptu de Schubert pour piano. Bien que le tempo soit, de préférence, stable, les phrases gagnent en expression musicale si le pianiste ne joue pas chaque note exactement sur la pulsation. Sinon le jeu sera trop mécanique et froid.

Tout l’intérêt du métronome Silence, dans ce travail d’interprétation, est de pouvoir garder un tempo stable tout en restant libre de prolonger une note, d’avancer sur quelques pulsations, de respirer un peu plus ou un peu moins.

Résultat : vous pouvez jouer sans jamais être gêné par un signal sonore parfaitement régulier et incommodant.

Il y a tant de façon d’envisager l’enseignement, dans tous les domaines !

Témoignage de Christine Jeandroz, fondatrice de Silence

Que ce soit dans l’enseignement de la musique, l’enseignement du sport, l’enseignement de la danse, l’enseignement des maths, etc.

Au fur et à mesure des années, j’ai pu réaliser à quel point j’étais en décalage total dans ma façon d’enseigner avec ce que je voyais autour de moi.

À l’école, déjà, c’est frappant : tous les enfants, dès l’école primaire, doivent faire des dictées. Au lieu de partir de 0 puisqu’ils n’ont encore rien écrit, et gagner des points chaque fois qu’ils réussissent à bien orthographier un mot ou à bien conjuguer un verbe, c’est le contraire : ils partent de 20 en quelque sorte et, à chaque erreur (appelée faute, qui plus est !) ils perdent entre ½ point et 2 points.

Ce qui fait qu’avec une douzaine d’erreurs, ils peuvent avoir 0, alors que certains mots ont été compris et très bien écrits, certains verbes bien conjugués, même s’il reste une imperfection d’orthographe. Et surtout, alors même qu’ils ont fait de leur mieux. Qu’ils ont fait l’effort d’essayer. Finalement, avec une douzaine d’erreurs, un enfant peut très bien récolter la même note que celui qui n’a pas essayé, qui n’a rien fait : 0.

Je trouve cela très injuste. C’est parfois humiliant, même, pour certains enfants très sensibles et qui ont vraiment fait de leur mieux.

Au collège, puis au lycée, dans les écoles de musique, dans les conservatoires, le même schéma d’enseignement apparaît. Une très grande partie des professeurs mettent l’accent sur ce qui ne va pas, commencent les commentaires par les critiques négatives, qui sont certes utiles, mais qui pourraient être énoncées en second lieu.

Au lieu d’encourager les élèves lorsqu’ils réussissent quelque chose ou même, les encourager lorsqu’ils n’ont pas réussi mais ont fait tout leur possible pour y arriver, et ont peut-être montré qu’ils avaient écouté, compris, et qu’il leur manque encore de l’entraînement pour réussir. Ce qui est tellement naturel lorsqu’on apprend !

De mon côté, comme, heureusement, dans certaines classes, c’est l’inverse. Je guide et j’encourage en permanence mes élèves de piano, ou d’autres instrumentistes que je fais travailler en tant que coach musicale : bien entendu, ce n’est jamais parfait, mais je les félicite toujours pour tout ce qu’ils ont réussi, et aussi pour ce qui ne l’est pas mais où je peux voir que la compréhension est là.

Que l’idée directrice est en place. Il leur reste à améliorer les détails, et nous sommes là pour ça. Leur donner confiance, dans le calme.

Pourquoi ?

Parce que la pulsation est une histoire de sensation corporelle. Lorsque vous marchez dans la rue ou que vous courez, vous n’avez aucun problème de pulsation, n’est-ce pas ?

À moins de devoir éviter un obstacle,vous avez une pulsation régulière.

alors, pour réussir à bien jouer en mesure, une fois sur votre instrument, quel qu’il soit, le challege est de retrouver cette sensation naturelle que vous maîtrisez très bien de base.

Mais d’abord, pourquoi vous ne la retrouvez pas forcément facilement ?

Plusieurs raisons possibles :

vous ne maîtrisez pas la technique de votre instrument
vous ne comprenez pas parfaitement ce que vous devez jouer
vous êtes fatigué et déconnecté de votre corps
vous voulez performer car on vous écoute, alors tout se mélange dans votre cerveau
etc

Toutes ces raisons sont des sources de stress. Et le moyen le plus efficace de résoudre le problème est de travailler sur vos sensations.

Avant de jouer, prends un moment, avec ton instrument, pour imaginer la pulsation, comme si vous marchiez. Respirez !

Votre corps se met légèrement en mouvement, il vit déjà au rythme de la musique que vous allez jouer.

Pour vérifier que vous êtes en mesure, écoutez bien, dans le calme et la confiance.

Surtout, si vous avez du mal à jouer en mesure, ne mettez pas un métronome sonore ! Cela apporterait un stress supplémentaire.

christinejeandroz

L’ajout d’un signal sonore parfait, en provenance d’une machine, ne ferait que mettre l’accent sur vos légers décalages, alors qu’il est normal de ne pas être aussi parfait qu’une machine.